martes, 24 de noviembre de 2009

El Renacimiento en el arte de hoy

A pesar de que han pasado 500 años desde aquella época, todavia podemos ver la influencia del Renacimiento en el arte de hoy, no solo en el hecho de que en ocasiones todavia se usa su estilo en un modo puro, sino porque incluso en expreciones culturales que (salvo quizas en algun sueño, o pesadilla, de Da Vinci) no se hubieran imaginado para la época, entre los ejemplos mas claros estan los temas relacionados con las posibles interpretaciones crípticas de las obras de los artistas del Renacimiento, siendo quizas el mas famoso exponente el polémico Codigo Da Vinci, en donde la obra de uno de los grandes de esta época adquiere en esta ficción ocultista un giro totalmente inesperado.


Portada del Codigo Da Vinci.

Curiosamente uno de los paises donde parece que la cultura pop se ha aprovechado ampliamente de los temas renacentistas es el Japón en donde la composición de alto contraste, el amplio y abundante decorado y la monumentalidad de las formas del renacimiento parecen ser una novedad para la estética luminosa, armónica y ajena al claroscuro de este país.



La historia de Trinity Blood tiene muchas escenas en pleno Vaticano.

Varias de las producciones de anime de este pais hallan aquí y allá referencia a obras y lugares del renacimiento y suelen ser utilizadas para narrar relatos donde la trama central implique discusiones sobre valores morales, justicia, reinvindicacion y muerte, entre otros.


Esta escena de Death Note rememora La Piedad de Miguel Ángel.

Finalmente en el terreno de la creciente industria de los videojuego se han visto una serie de exponentes que van desde los juegos que representan de un modo muy aproximado los eventos de la época, hasta aquellos que se aprovechan de sus elementos para crear nuevas posibilidades narrativas.



Assassins Creed II transcurre en Venecia, en pleno renacimiento.

En el campo de las especulaciones técnicas y de ¿Qué hubiera pasado si? es Leonardo Da Vinci uno de los artistas mas citados, dado que hace del renacimiento no solo una vuelta al futuro, sino una mirada a las posibilidades del futuro.



Opening de Rise of Legends, nótese al ejercito de la civilizacion Vinci.

El Renacimiento en Italia

El Renacimiento en Italia se divide en dos periodos, el Quattrocento y el Cincuecento.

El Quattrocento

La Rinascita, es como ya se mencionó en una entrada anterior, una vuelta a los antiguos valores estéticos grecorromanos, y un gran interes por las viejas historias de la mitología griega, tuvo su origen en Florencia, una poderosa ciudad mercantil dominada por una serie de familias burguesas que se dedicaban al mecenasgo, de esta familias cabe resaltar a los Médicis.

en términos arquitectónicos un descubrimiento único, el manuscrito titulado "Arquitectura" permitió a los artistas de la época conocer el estilo de construcción de la antiguedad clásica, Filippo Brunelleschi construira la cúpula del duomo de la iglesia de Santa Maria del Fiore, luego, por encargo de los Médicis erigiría la Sacristía Vieja de San Lorenzo.



La Sacristía Vieja de San Lorenzo
.

Otro representante de este periodo arquitectónico es Leone Battista Alberti, entre cuyos trabajos estaría la fachada de Santa Maria Novella en la ciudad de Florencia.

En la escultura podemos destacar a Donatello, el cual realiza entre otras el pasto Atís, fuertemente influenciado por la mitología griega y la estatua a caballo del Condottiero Gattamelata, su discípulo Antonio de Pollaiolo construiría la Tumba de Bronce de Sixto IV.


Escultura ecuestre del Condottiero Gattamelata.

En la pintura del renacimiento hay que destacara el trabajo de Botticelli, bajo la protección de los Médicis desarrolla obras como Adoración de los Magos, La Primavera y el Nacimiento de Venus, obras llenas de simbolismo y alegoría. Rafael tambien daria un aporte importante con Las Tres Gracias y la Crucificción. Otro representante sería Bernardino di Betto, mostrando gran fuerza narrativa en su obra Sagrada Familia.


Adoración de los Magos.

El Cincuecento

Con este periodo vemos una madurez artística en las obras de los artistas italianos, las obras se vuelven cada vez mas ambiciosas y se postulan nuevas técnicas tales como el difuminado, el cual brinda atmosfera y perspectiva a las pinturas, entre otros avances técnicos.

En la arquitectura es Miguel Angel y su basílica de San Pedro, una de las obras arquitectónicas mas ambiciosas de la época, los que dan mayor representación a esta etapa, otros de sus trabajos incluyen la biblioteca Laurenciana y el palacio Farnesio.



El palacio Farnesio.

Este artista asimisimo tendria una gran importancia en el terreno de la escultura, siendo sus dos trabajos mas simbólicos David y Moisés, asimismo cabe destacar su inconcluso mausoleo erigido bajo las ordenes del papa Julio II. Cerrando esta época esta Giovanni de Bologna, con su Rapto de las Sabinas y Mercurio.



Moisés.

La pintura del Cincuecento tiene entre dos de sus máximas expresiones la Gioconda, de Leonardo Da Vinci, y los decorados de la capilla Sixtina de Miguel Ángel, entre los que destacan La Creacion de Adán y el Juicio Final, trabajos que reflejan la enorme capacidad creativa y toda la vida interior de esta fructífera época del arte.



La Creación de Adán.

Analisis de la pintura: La Escuela de Atenas

La Escuela de Atenas es uno de las obras más grandiosas de la pintura renacentista. Se trata de un fresco ubicado en la Signatura del Vaticano, y expresa a la perfección todo el genio de Rafael. La perspectiva se inspira en las obras de Leonardo da Vinci y los personajes recuerdan a Miguel Ángel, que en estas fechas pintaba la Capilla Sixtina.
Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.

Nombres de las personas que salen en la pintura:



1- Zenón de Citio o Zenón de Elea
2- Epicuro
3- Federico II Gonzaga
4- Boecio o Anaximandro o Empédocles 5-Averroes
6- Pitágoras
7- Alcibíades o Alejandro Magno
8- Antístenes o Jenofonte
9- Hipatia
10- Esquines o Jenofonte
11- Parménides
12- Sócrates
13- Heráclito
14- Platón sosteniendo el Timeo
15- Aristóteles sosteniendo la Ética
16- Diógenes de Sinope
17- Plotino
18- Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes
19- Estrabón
20- Claudio Ptolomeo
21- Protógenes como El Sodoma

viernes, 20 de noviembre de 2009

La Capilla Sixtina es uno de los más famosos tesoros artísticos de la Ciudad del Vaticano, construida entre el 1471 y el 1484, en la época del papa Sixto IV. Su arquitecto fue Giovanni d'Dolci siguiendo los modelos de las antiguas plantas basilicales romanas las cuales por su parte se inspiraban estructural y arquitectónicamente en antiguos edificios griegos como el Concejo del Ágora ateniense.

lo largo de la Capilla Sixtina se encuentra una sucesión de frescos. Estas pinturas en las dos paredes laterales, son paralelas. Casi cada fresco está relacionado con el que está enfrente, es por eso que a continuación se reflejaran los frescos enfrentadas y no contiguos. Debían representar la vida de Moisés (Antiguo Testamento) de una parte, y la vida de Cristo (Nuevo Testamento), de la otra, según el uso de todas las antiguas iglesias.


Los siguientes frescos se ven dentro de la capilla:

- La Circuncisión
- El Bautismo de Cristo
- Historia de Moisés
- La Tentación de Cristo
- El Paso del Mar Rojo
- La Llamada de los Apóstoles
- Dios entregando las tablas de la Ley a Moisés
- En el Sermón de la montaña
- Core, Dathan y Abiron
- Cristo entregando las llaves a San Pedro
- La Cena

jueves, 19 de noviembre de 2009

El Arte Romanico en España

El arte romanico en España es tan solo una variedad regional del estilo arquitectónico, escultórico y pictórico de los siglos XI, XII y parte del XIII, desarrollado en Europa.
Es fruto de la combinación armónica de diversas influencias como la romana, prerrománica, bizantina, germánica, árabe, etc.
Tradicionalmente se atribuyen una serie de características generales al estilo romanico: solidez de la construcción, gran anchura de muros para poder resistir las fuerza y tensiones de la estructura, uso del arco de medio punto y bóveda de medio cañón, escasez de vanos, tendencia a la horizontalidad frente a la verticalidad del gótico.


Tímpano de la portada de la catedral de Conques (Francia)


Las variedades regionales propiciaron construcciones tan "originales" como la catedral de Pisa y su famoso "campanile" (Italia)


Se distinguen tres fases en la evolución del estilo, clasificación que también se hace válida para el romanico español:

- Primer Romanico
- Segundo Romanico
- Tardorromanico

lunes, 16 de noviembre de 2009

Arquitectura gótica Y Arte Romanico


Arquitectura gótica
A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint-Denis o San Dionisio (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).
También desde finales del siglo XII y comienzos del XIII se divulga por los monasterios de la orden del Císter un estilo despojado de ornamentación y reducido a la pureza de los elementos estructurales, expresión de las concepciones estéticas y espirituales de Bernardo de Claraval, que se suele denominar arte cisterciense.
Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante superficial, exclusivamente por la utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del que se deriva la bóveda de crucería que permite desplazar los empujes a contrafuertes externos, que se alejan aún más de los muros mediante el uso de arbotantes. Eso permitió la construcción de edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de los vanos sobre los muros. Los elementos sustentantes (pilares de complicado diseño) quedan mucho más estilizados. Pero la utilización de un elemento no puede definir un estilo de forma global, se trata de un problema más amplio, de una nueva etapa histórica, una nueva concepción del arte y con el del mundo. Un elemento estructural, por importante que sea, no puede resumir un concepto global sobre la vida.
Arte Romanico
es el estilo de moda en Europa y en España desde hace varias décadas

Su difusión en España es amplia pero no completa. Se encuentra presente en la mitad norte de la Península.

Castilla y León, dada su gran extensión y densidad de monumentos, ofrece la mayor colección de arquitectura románica. pero no sólo es cantidad sino tambiénn calidad pues cuenta con magníficas iglesias, sobre todo en las provincias de Segovia, (en las comarcas de Pedraza, Sepúlveda y Fuentidueña) Burgos, Soria (comarca de San Esteban de Gormaz, Calatañazor y la propia capital) y Palencia (Zona norte y Camino de Santiago), sin olvidarnos de las ciudades de Ávila, Zamora, León y Salamanca. En Castilla Y León hay lugares tan emblemáticos como la iglesia monástica de San Martín de Frómista (Palencia), el Monasterio de Silos (Burgos), San Isidoro de León y otras muchas joyas artísticas más de este estilo.

domingo, 15 de noviembre de 2009

El Renacimiento - Contexto

Finalizando la Edad Media, se produce primero en Italia y luego en gran parte de Europa Occidental un fenómeno cultural conocido como el Renacimiento.


El Renacimiento se inicia en Italia.

Rompiendo con las tradiciones de los siglos anteriores, el Renacimiento produce un resurgimiento del clásico espiritu greco-romano, trayendo consigo toda una serie de revoluciones intelectuales que dan comienzo a la Era Moderna, es el fin de la unidad religiosa establecida por la Iglesia Católica, Lutero y Calvino se aseguran de que nunca mas la Iglesia pueda dormirse en sus laureles pues ahora tiene competencia, asi mismo es la edad en la que surge la conciencia de los estados nación, un tiempo en el que cada pueblo de Europa descubre de un modo especial de que es único en tipo y caracter a los demás.

El Renacimiento implica un retorno a la primacia de la figura humana sobre todos los aspectos, se plantean las semillas del pensamiento independiente en el cual se busca la fundamentación en los hechos en vez del dogma, las ciencias adquieren un caracter práctico y comienzan a evolucionar, Copernico, Galileo y Colón desafian las concepciones del mundo y muestran una nueva imagen del cosmos, el cual sin embargo no se reduce a un mero caos, sino que ahora plantea nuevas leyes que pueden ser utilizadas para ayudar al progreso del hombre y la expansión de sus imperios.




El Hombre se vuelve el centro de interes.


Los sistemas políticos e ideológicos comienzan a mostrar mas interés por el individuo y su bienestar, teniendo , asi mismo se redescubre el goce por la vida y los deseos terrenales, al tiempo que los hombres se interesan por los logros que se pueden obtener en el ahora y el aquí, Erasmo y Tomas Moro plantean ideas de como mejorar la vida de las naciones, abogando por valores que conduscan hacia la creación de la Utopía.

En el terreno del arte el valor del artista como individuo renace, ya no se trata del trabajo de un gremio, una corporación o un grupo, sino de seres humanos únicos e irremplazables, cada obra muestra una busqueda de lo glorioso sin por ello perder su naturaleza terrena, como ejemplo primario vemos en la figura de Jesús, tan resaltante en el Renacimiento como en los siglos anteriores, adquirir un aspecto mas humano, mas cercano a las emociones del hombre. Es la época de los grandes genios del arte, Da Vinci, Rafael, Miguel Angel se alzan para desafiar el paso de los siglos con el esplendor de sus obras, en estas se ven reflejadas su pasión.



Con los artistas del Renacimiento la figura humana adquiere proporciones titánicas.

Asi pues este periodo es la aurora de una nueva época, La Era de los Descubrimientos, la Edad de los Imperios, la Era Moderna ha comenzado.

ESCUELAS DEL ARTE GOTICO

El Gótico, como todos los estilos artísticos, tiene variantes regionales. Como ejemplos podemos hablar:

La Escuela Francesa: donde destacan las catedrales de Notre-Dame de París, Sens, Chartes, Laon, Reims y Amiens o la Saint-Chapelle levantada por san Luis.



La Escuela Española: la cual destaca por las catedrales de León, Burgos, Toledo, Gerona, Barcelona o Sevilla.



La Escuela Portuguesa: con los monasterios de Belem y Batalha o la iglesia de la Orden de Cristo en Thomar.



En Alemania es famoso por las catedrales de Colonia, Estrasburgo o Ulm. Mientras que en Inglaterra cuenta con las catedrales de Gloucester, Salisbury o Lincoln.



La Escuela Italiana: podemos diferenciar un gótico más revolucionario, contra el tradicional en la catedral de Santa María de las Flores de Florencia, o un estilo más próximo al gótico europeo como en la catedral de Milán.

ARTE GOTICO

El arte gótico es el que corresponde a la Baja Edad Media. Es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales, la burguesía nace en las ciudades.

ARQUITECTURA:
El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión más típica es la catedral, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.

Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, lo que posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores.

Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales. La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.

Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas (baquetones). En el edificio gótico se necesita un sistema de contrapeso adicional: los arbotantes.

Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado.

La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y las puertas. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.

En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales.



ESCULTURA:
En la escultura gótica se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo. No falta en la iconografía el bestiario fantástico. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. Reaparece el retrato.

El artista tiene libertad para hacer sus obras y las firmará. Existirá una escultura monumental. También adquiere gran importancia la escultura funeraria. Este es el ámbito del retrato, donde hay un mayor realismo.

Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de Chartres.

En el período clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas.

El gótico flamígero se caracteriza por la utilización de manera decorativa, de la curva y la contracurva, que da movimiento a las figuras. La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria.



PINTURA:
La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar natural: el muro. La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso.

viernes, 2 de octubre de 2009

Analisis del Pensamiento de Gombrich


Ernst Gombrich autor de "The Story of Art".

Nunca debemos condenar una obra de que este incorrectamente pintada, sino hasta estar totalmente seguros de que el pintor es el equivocado y no nosotros. Como los caballos, las personas que lo ilustraron siglos atrás trataban de dibujarlos con las patas largas y extendidas; lo cual era erróneo, ya que el caballo tiende a tener varias posturas cuando galopa.

Caballos al galope, una ilustración verdaderamente real.

Los pintores de hoy en día tratan de ver el mundo de una manera distinta, de una manera innovadora. Ellos no tratan de ver estrellas estrelladas, cielos azules ni hojas de color verde, sino tratan de miran las cosas como son en realidad; como si todo fuera algo nuevo y cada concepto que conocieran no exista.

En la religión existen casos parecidos a lo anterior, como es el de los artistas que representaban la santa escritura. Ellos ilustraron las lecturas tal y como ellos creían que debían verse, lo cual tiempo después se convirtió en algo verdadero sin excusa a cambio. Dichas pinturas carecían de sinceridad y honradez, ya que no representaban lo que realmente debían representar.

Nuestras obras de arte ya dejaron de ser algo misterioso y útil, sino se convirtieron en objetos realizados por el hombre y para el hombre. Cuando realmente lo que preocupa a los artistas es como verán su obra, como será comparada, si será criticada y los mas importante…como será utilizada.

Las personas comunes no tratan de ver los colores y formas como realmente son, sino que simplemente pasan por alto estos aspectos; pero si una persona común es demasiada quisquillosa sobre este tema es vista como extravagante. Este tema visto en mundo de los artistas es algo muy común, ya que el pintor trata de buscar la perfección en sus obras teniendo que nadar en un mar de formas y colores infinitos; hasta tener que llegar a una obra de arte sin fallas, una obra de arte perfecta en un mundo imperfecto.

Es fascinante ver un artista luchar de este modo, buscando el equilibrio perfecto, pero si preguntamos como llego a ese punto el no sabría contestar, ya que no existe una regla fija la cual se pueda seguir al pie de la letra para conseguir una obra de arte similar. En realidad es imposible dictar normas de esta clase, ya que uno nunca sabe lo que el artista quiere representar realmente.

Lo que es verdad es que nunca se acaba de aprender en lo que arte se refiere. Siempre existen cosas nuevas que aprender, cada obra de arte es nueva cada vez que se mira. Conociendo algo de la historia ayudaría a comprender como los artistas proceden de un modo peculiar, o por que se propones producir determinados efectos.

Gombrich nos ofrece una interpretación
pausible del tema del dibujo.

El Arte Paleocristiano

El arte paleocristiano empieza a configurarse las formas arquitectónicas e iconográficas (como el nacimiento o la muerte de Cristo) que van a desarrollarse durante la Alta Edad Media.


“La planta basilical es una las formas arquitectónicas que se hicieron en ese periodo”.


El paleocristianismo ayudó al cristianismo a desarrollarse y lo ayudó en sus orígenes. En estos años las comunidades cristianas se mantienen en la semiclandestinidad. En esa época la Iglesia Cristiana se convierte en uno de los grandes poderes económicos y políticos de la época.

Comprende desde finales del siglo II hasta el siglo VI y se puede dividir en dos grandes periodos:

• Finales del Siglo II
• Siglo III

"Pintura paleocristiana donde se muestra a San Juan Bautista Bautizando a Cristo Jesús".

La extensión del arte paleocristiano es igual de grande que el del Imperio Romano en ese periodo. Sus límites alcanzarían, por el norte, desde las Islas Británicas hasta la Península de Crimea (Rusia); por el sur, el desierto del Sáhara; por el oeste el océano Atlántico y por el este el río Éufrates.


“Imagen que representa al Buen Pastor, el arte paleocristiano es principalmente religioso, representa ciertos símbolos o costumbres cristianas”.


"El Crismon es un monograda que está formada por las dos letras iniciales del nombre de Cristo junto al alfa y la omega".

jueves, 1 de octubre de 2009

Historia del Arte Románico

El Arte románico fue un estilo artístico predominante en Europa en los siglos XI, XII y XIII. Este estilo de arte es el resultado de la integración de varios estilos: romano, prerrománico, bizantino, germánico y árabe.
Desde su nacimiento en el siglo X, hasta su caída en el siglo XIII, este estilo, sigue el ciclo vital de cualquier estilo artístico: fase arcaica “primer románico”, fase clásica “románico pleno” y por ultimo una fase decadente “tardorrománico”.

1) La primera etapa se desarrolla a finales del siglo X y a lo largo del siglo XI. Jugando un papel predominante la arquitectura anicónica. Nace en el norte de Italia y se extiende por el sur de Francia y noreste de España. Por su procedencia y desarrollo se le ha denominado también estilo lombardo.
Una de sus características principales es el uso de piedra escuadrada pero no pulida, las cabeceras son de semitambor adornadas con arquillos y bandas rítmicamente dispuestas, los templos son cubiertos con bóvedas pétreas de cañón y horno y se emplean los pilares como sustentación.

San Martiño de Mondoñedo exterior
ábsida rómanico lombardo.


2) En la segunda fase, que constituye la época dorada del estilo, se extiende a mediados del siglo XI y XII, procedente de Francia y transmitido principalmente por las rutas de peregrinación. Esta fase también es llamada “Pleno”.
Se utilizan de líneas y volúmenes armónicos. Los programas iconográficos no se realizan al azar, sino tienen un mensaje catequético y simbólico.
Se puede decir que este estilo no se asienta en España hasta mediados del siglo XI. Pero se comienza a sentir mucho mas este arte a partir de los reinados de Sancho Ramírez en Aragón y Alfonso VI en Castilla y León, incluyendo las actuales provincias de Asturias y Cantabria, cuando el nuevo estilo foráneo comienza a desplazar al arte castizo.
Las principales estaciones del Camino de Santiago fueron las que levantaron en un estilo puro y consolidado las primeras iglesias y monasterios.
Los monasterios ubicados en Burgos tuvieron una influencia fundamental en todo el románico castellano, especialmente en Soria.

Puertas de la catedral de Jaca.


3) Con el tiempo, comienzan a aparecer volúmenes nuevos y la escultura comienza a barroquizarse. El cambio de la mentalidad medieval, despierta el interés del hombre por la naturaleza y sus estímulos físicos. Se llega a lo que se ha venido en denominar tardorrománico. En Francia, esta fase terminal del estilo dejó ejemplos verdaderamente exuberantes, como la impresionante fachada de Notre Dame.
El primer gótico desarrollado en el XIII, existe con las formas tardorrománicas, a menudo fundiéndose entre sí.
En España, la arquitectura románica tarda en hacerse conocida. Luego de la reconquista armada de los poblados, da lugar para que los repobladores alcancen una suficiente estabilidad económica, cuando comiencen a construir en aldeas nuevas parroquias en el estilo románico.

Catedral de Burgos, magnífico
ejemplo de arte gótico.

miércoles, 30 de septiembre de 2009

1 - La arquitectura carolingia

Este arte se presenta en alguna ocasión como una continuación del merovingio, de este último nacieron las innovaciones arquitectónicas que apuntaban ya decididamente al estilo románico. Roma y Oriente son los dos focos culturales que impulsan este arte carolingio. Se puede hablar del renacimiento del clasicismo pues Carlomagno puso de modelo a Roma en todo. En aquella época se identificaba lo romano y lo bizantino, el romanismo produjo en definitiva una avalancha de elementos bizantinos.

Con Carlomagno asistimos al resurgir de Occidente. Bajo sus dominios se congregan Francia y Alemania. En una fase ulterior los Otones, aunque actúan según bases carolingias, crearán la nacionalidad y el arte en Alemania.En la arquitectura carolingia se ofrecen características que anuncian el estilo románico. El crucero (nacido en las basílicas paleocristianas) se acusa ahora claramente. Proliferan los ábsides contiguos, precedentes de la cabecera cluniacense. Aparece el arco perpiaño, semejante al fajón, y el crucero se alumbra con torre-linterna. Se crea el deambulatorio: pasillo detrás del altar mayor prolongando las naves laterales. Al principio iba por el exterior del templo acabó penetrando dentro del recinto. Las cubiertas eran de madera, también se emplea el pilar compuesto. Las mismas torres son de madera.

"Carlomagno es el primer monarca europeo desde la caida del imperio romano que sueña con una Europa Unida y próspera."

Han desaparecido muchos monumentos, en ella se dan planes basilicales, como centrales, predominando los primeros. El más famoso monumento, la capilla del palacio de Carlomagno en Aquisgrán constituye un trasplante de la arquitectura bizantina en tierra francesa; el modelo fue San Vital de Rávena. De aquí cómo Carlomagno ansioso por romanizarse fue a Italia y se bizantinizó.



"La Capilla Palatina, exponente mas importante del arte carolingio."

martes, 29 de septiembre de 2009

arte bizantino



"Bizancio es la heredera inmediata de la antigua Roma".

El arte Bizantino es la continuación natural del arte griego y romano, el cual esta vez halla su hogar en la peninsula griega, los balcanes y los sectores del mediterraneo dominados por el Imperio Romano de Oriente, este imperio vendria a influenciar enormemente la cultura de la Edad Media, siendo un foco de civilización y recuerdos de edades pasadas en una Europa todavia sumergida en una edad semibárbara e incipiente.

domingo, 27 de septiembre de 2009

El Arte Bárbaro 2: Otras culturas, otra realidades

El arte bárbaro tiene sus origenes en la interacción de las tribus gérmanicas con el entorno en el que vivian, siendo su territorio de orien la Europa Septeptrional, desde allí, empujados por las tribus de los hunos, se dirigieron a Europa, donde habrian de tomar los restos decadentes del Imperio Romano.


Guarniciones de cinturón de origen germánico.


Se ha mencionado el estilo abstracto propio de los germanos, esto sin duda es debido al hecho de que esta habria sido un forma de obtener un atractivo inerente en las piezas de arte sin por ello requerir de una excepcional habilidad de réplica, los gustos de estos pueblos ademas estaban enfocados en la creación de objetos de uso cotidiano.

Los pueblos bárbaros encontraron un gran atractivo en el oro, con lo cual centraron sus esfuerzos artisticos en la orfebrería y metalurgia, esto se hace evidente dada la cantidad de reliquias arequeologicas halladas en aquellos territorios, siendo el oro poco maleable, seria pues una gran ventaja el hecho de que hallan elegido usar este material, sobre todo considerando el clima húmedo de Europa, en cambio sus dotes de construcción solo serian puestas con el paso de los siglos, contentandose con vivir en hogares de madera en aquellas épocas.

La orfebrería fue durante muchos siglos el punto fuerte del arte bárbaro.


Es probable de que las tribus germánicas hubieran preferido quedarse en sus regiones natales de no ser por la aparición de una nueva fuerza en Europa, los Hunos.

Los Hunos eran un pueblo originario del Asia, probablemente de las estepas de Mongolia, eran gente simple, práctica y prolífica, dada la realidad de vastas extensiones de zonas semiaridas donde desarrollaban su vida y la de sus rebaños. Parece ser que considerable cambios climáticos produjeron una serie de sequias que forzaron a los hunos a encontrar nuevas tierras para sus ganados y sus familias, la ruta que eligieron fue hacia donde el Sol se pone, osea, hacia Europa.

En aquella época de comunicaciones lentas los hunos contaban con dos ventajas que les permitieron aniquilar practicamente toda la oposición que hallaron en su marcha, la primera era su habilidad con el arco, dandoles la capacidad de ataque a distancia que los pueblos de Europa no contaban, la segunda, el uso extensivo de los caballos, brindandoles una mobilidad insuperable, siendo capaces de maniobras y ataques contra los que ni las hordas germánicas ni las legiones romanas podian hallar respuestas efectivas.


El arte huno mas desarrollado es el de la guerra.


Fue asi como los hunos, cuya practicidad en terminos artísticos es evidente dado su estilo de vida sencillo, empujaron a los germanos hacia las fronteras de el único pueblo de Europa que podria ofrecer protección, o al menos los recursos para poder hacerles frente, Roma.


Los Hunos asolaron una considerable parte de Eurasia.


Puede verse en retrospectiva de que todavia hoy vemos este tipo de situaciones ocurrir, en el Perú (y en general en muchos lugares de Latinoamerica donde la guerra interna y el abandono social estaban a la orden del dia), por ejemplo, mucha gente huyo hacia la capital o hacia los territorios de las potencias occidentales para poder salvar sus vidas. hallando en aquellos lugares una relativa seguridad frente a la hecatombe que siempre parece cebarse primero en el campo y los pueblos pequeños.

Es irónico pensar de que aquellas ciudades y paises, ahora tan prosperos, bien defnedidos y ricos, hacia los que huyen estan a su vez poblados de gente que tambien huyo hace milenios de desastres similares.

sábado, 19 de septiembre de 2009

Análisis: Heinrich Wölfflin

(21 de junio de 1864 - 19 de julio de 1945)


Un retrato de Wölfflin.

Fue un famoso crítico del arte suizo, considerado como uno de los mejores historiadores de arte de toda Europa. Fue catedrático en las universidades de Basilea, Berlín, Munich y Zurich, y uno de los estudiosos más influyentes en la moderna historia del arte.

Definió la historia del arte como una historia independiente del contexto social, económico o religioso a través del renacimiento (siglo XVI) y el Barroco (siglo XVII). Analizó las diferencias de estos dos estilos insistiendo en que a finales del siglo XVII se produjo un cambio semejante pero de sentido inverso, una "vuelta atrás".

El Barroco según Wölffin

Wölffin define el Barroco por cinco rasgos característicos:

- La búsqueda del movimiento real, por el hecho de que se construyan edificaciones con paredes onduladas y también la búsqueda del imaginario, por el hecho de que se pinten personajes capaces de acciones violentas.

- Intento de sugerir el infinito. Este aspecto se meustra claro en lago de Versalles. En este estilo el camino se pierde en el horizonte.

- La importancia de la luz y de sus efectos.

- El gusto por la teatralidad, por lo escenográfico y fastuoso.

- La tendencia a mezclar las disciplinas artísticas.

Palacio con estilo Bárroco de la época.

Obras

Sus obras más notables son: Conceptos fundamentales para la historia del arte (1915), Renacimiento y Barroco (1888), El arte clásico (1899), Prolégomènes à une psychologie de l'architecture (1886).

Wölfflin ha sido muy importante en esa época, analizó todo lo referente a Arte Bárroco y Arte Renacentista, adema´s definió a la Historia del Arte como historia independiente del contexto social, económico o religioso.

lunes, 14 de septiembre de 2009

El Arte Bárbaro Parte 1: Los invasores, los inmigrantes


Las invasiones bárbaras han generado un gran impacto en la visión del arte épico en la actual cultura.

Dependiendo del punto de vista histórico, político y geográfico veremos que las manifestaciones artisticas de las tribus germánicas y asiáticas de finales de la antigüedad reciben un juicio distinto de cada espectador, para los propios bárbaros (usaremos esta palabra por comodidad, no por la connotacion derogativa que puede tener) fue su modo de expresarse como cultura, quizas no tan avanzada en varios aspectos como la de los romanos, pero tan pujante, llena de intereses e inquietudes como las demas.


Un arete de origen ostrogodo, se puede apreciar la delicadeza y capacidad de abstracción de su autor.

Los romanos, dado sus propios gustos y refinamientos, podian hallar estas manifestaciones apenas merecedoras de la denominacion del arte, quizas habiendolas visto como simples salvajismos y tosquedades de aquellos bárbaros que paulatinamente tenian que tolerar cada vez mas en sus ciudades y a los cuales solian contratar como mercenarios.


Para finales del Imperio las legiones, originalmente compuestas por ciudadanos romanos, estaban llenas de reclutas bárbaros.

Los historiadores recientes en cambio, educados con ideales y perspectivas distintas a ambos grupos, hallan el arte de los bárbaros con tanto derecho a existir y ser apreciado como el romano, prefiriendo antes describirlo que juzgarlo.
¿Podriamos decir que esta postura a la larga sera mejor y mas ventajosa? Los patrones para juzgar el arte suelen variar y quizas esta opinión pueda durar, o no.


La caida de Roma significó el fin de una civilización, pero tambien el inicio de otra, en la foto vemos una iglesia Visigoda.

Como cierre para la primera parte sobre nuestra reflexión del arte bárbaro, dejamos un corto pedazo de un cuento del escritor Jorge Luis Borges que explicaria porque eventualmente los bárbaros comenzaron a apreciar el arte romano y lo fundieron con el suyo propio, colocando una de las simientes de nuestra moderna cultura.


Todo inmigrante en todo tiempo vive la experiencia de la impactante visión de una cultura distinta.

Asi mismo, vemos un choque cultural que es capaz de tocar en lo mas profundo del individuo, algo que solo las manifestaciones artísticas de una cultura puede lograr:

"...Imaginemos, sub specie aeternitatis, a Droctulft, no al indivi­duo Droctulft, que sin duda fue único e insondable (todos los individuos lo son), sino al tipo genérico que de él y de otros muchos como él ha hecho la tradición, que es obra del olvidó y de la memoria. A través de una oscura geografía de selvas y de ciénagas, las guerras lo trajeron a Italia, desde las márgenes del Danubio y del Elba, y tal vez no sabía que iba al Stir y tal vez no sabía que guerreaba contra el nombre romano. Quizá profesaba el arrianismo, que mantiene que la gloria del Hijo es reflejo de la gloria del Padre, pero más congruente es imagi­narlo devoto de la Tierra, de Hertha, cuyo ídolo tapado iba de cabaña en cabaña en un carro tirado por vacas, o de los dioses de la guerra y del trueno, que eran torpes figuras de madera, envueltas en ropa tejida y recargadas de monedas y ajorcas. Venía de las selvas inextricables del jabalí y del uro; era blanco, ani­moso, inocente, cruel, leal a su capitán y a su tribu, no al universo. Las guerras lo traen a Ravena y ahí ve algo que no ha visto jamás, o que no ha visto con plenitud. Ve el día y los cipreses y el mármol. Ve un conjunto, que es múltiple sin desorden; ve una ciudad, un organismo hecho de estatuas, de templos, de jardines, de habitaciones, de gradas, de jarrones, de capiteles, de espacios regulares y abiertos. Ninguna de esas fábricas (lo sé) lo impresiona por bella; lo tocan como ahora nos tocaría una maquínaria compleja, cuyo fin ignoráramos, pero en cuyo diseño se adivinara una inteligencia inmortal. Quizá le basta ver un solo arco, con una incomprensible inscripción en eternas letras romanas. Bruscamente lo ciega y lo renueva esa revelación, la Ciudad. Sabe que en ella será un perro, o un niño, y que no empezará siquiera a entenderla, pero sabe también que ella vale más que sus dioses y que la fe jurada y que tódas las ciénagas de Alemania. Droctulft abandona a los' suyos y pelea por Ravena. Muere, y en la sepultura graban palabras que él no hubiera entendido:

Contempsit caros, dum nos amat ille, parentes,
Hanc patriam reputans esse, Ravenna, sham.


No fue un traidor (los traidores no suelen inspirar epitafios piadosos); fue un iluminado, un converso. Al cabo de unas cuantas generaciones, los longobardos que culparon al tránsfuga proce­dieron como él; se hicieron italianos; lombardos y acaso alguno cíe su sangre —Aldiger— pudo engendrar a quienes engendraron al Alighieri..."

Historia del guerrero y de la cautiva - El Aleph (1949)
Jorge Luis Borges



La Tumba del ostrogodo Teodorico el Grande, rey de Italia, situada en Ravena.